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Martes 7 de Mayo de 2013

TEMA 15. LAS VANGUARDIAS (LA VANGUARDIA FRANCESA: JARRY, COPEAU, ARTAUD. LA VANGUARDIA ITALIANA: EL FUTURISMO)

En clase leemos ésta carta:

Letter from Alfred Jarry to
Aurélien Marie Lugné-Poe,
Director of the
Théâtre de l’ Oeuvre

8 January 1896

Dear Sir,

I am writing to ask you to give some thought to a project which I would like to submit to you and which I hope may interest you….It would be interesting, I think, to produce [Ubu Roi] (at no cost, incidentally) in the following manner:

1) Mask for the principal character, Ubu; I could get this for you, if necessary. And, in any case, I believe that you yourself have been studying the whole question of masks in the theater.

2) A cardboard horse’s head which he would hang round his neck, as they did on the medieval English stage, for the only two equestrian scenes; all these details fit in with the mood of the play, since my intention was, in any case, to write a “Guignol.”

3) One single stage-set or, better still, a plain backdrop, thus avoiding the raising and dropping of the curtain…. A formally dressed individual would walk on stage, just as he does in puppet shows, and hang up a placard indicating where the next scene takes place. (By the way, I am absolutely convinced that a descriptive placard has far more “suggestive” power than any stage scenery. No scenery, no array of walkers-on could really evoke “the Polish Army marching across the Ukraine.”)

4) The abolition of crowds which usually put on a terrible collective performance and are an insult to the intelligence. So, just a single soldier in the army parade scene, and just one in the scuffle when Ubu says, “What a slaughter, what a mob, etc....”

5) Choice of a special “accent,” or, better still, a special “voice” for the principal character.

6) Costumes divorced as far as possible from local color or chronology (which will thus help to give the impression of something eternal): modern costumes, preferably, since the satire is modern, and shoddy ones, too, to make the play even more wretched and horrible.

… Finally, I have not forgotten that this is no more than a suggestion for you to ponder at your leisure, and I have only discussed Ubu Roi with you because it has the advantage of being the sort of play that most of the public will appreciate. Anyway, the other thing I am working on will soon be ready, and you will see how much better it is…

With best wishes for all your good work, which gave me the chance of enjoying yet another highly interesting evening yesterday.
ALFRED JARRY,
162, boulevard St.-Germain.



 Cuando Alfred Jarry estrena Ubú Rey aún no ha nacido el Teatro del Arte de Moscú. Por entonces triunfa el gran teatro burgués.

Ubú Rey inserto en el contexto en que aparece es una gamberrada, un acto bandálico contra un profesor. Es una sátira de Macbeth. Ubú, huye de la corriente realista y natrualista que domina el teatro de su tiempo. "La rama que representa al bosque" es el planteamiento simbolista.

El efecto inmediato de esta obra fue romper toda relación entre Antoine y el simbolismo.

Yeats después de estar presente en la representación escribió: "después de ésto, un dios salvaje"

Ubú Rey es el antecedente de todas las vanguardias. Marinetti también estuvo presente en la represetnación.

Patafísica: patología de la física.

Las primeras vanguardias, denominadas vanguardias históricas fueron de 1909-1939

La Belle Époque (1870-1914) fue una época bella para quienes les iba bien, es una época sin guerras en Europa.

El primer movimiento plenamente de vanguardia es el futurismo. El cubismo es unos años anterior pero sólo se aplica al ámbito de la pintura.

Manifiesto futurista
























En teatro los futuristas alentaban a su público para que les abuchearan en vez de aplaudirles.

Obras famosas como "Pies" o "Están a punto de llegar".

Acompañaban su teatro de música, creada por una caja de ruidos, intonarumori, entonaruidos, que emitía sonidos de pitidos, bocinas y otras clases de ruido.(esto me recuerda a Phillip Glass)

La gran intuición de los futuristas fue predecir que el mundo iba a estar dominado por las máquinas. Fortísimas dosis de provocación.

El futurismo fue el arte oficial del fascismo. Cuando surge el fascismo aún no ha aparecido ni el fascismo ni el comunismo, sus referencias son al anarquismo.

La obsesión de los futuristas por el movimiento les lleva en la plástica a buscar la expresión del movimiento.

Investigación sobre una hoja de papel encontrada sobre una mesa de la biblioteca

Estética de la realidad:

-Gente en domingo

Cartel de Gente de domingo

 Realismo poético:

- L'Atalante, Vigo, diálogos teatrales Entracte (René Clair), Häxan (Benjamin Christeensen)


Cartel de L'Atalante

Fotograma de Entr'acte

Fotogram de Entr'acte

Cartel de Häxan


Más documental, documentalismo británico, pioneros del documentalismo. Ken Loach.

Miseria en el BorinageTierra sin pan (Luis Buñuel) 1932, Un pueblo español.(Eugéne Smith) Montre la realité a à se faÇon


Jueves 18 de Abril de 2013

TEMA 17: EL CINE (EL EXPRESIONISMO ALEMÁN)


El origen del expresionismo alemán podemos encontrarlo en el manifiesto del grupo Die Brucke/ El puente y en los poemas de Georg Trakl.

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros"

Die Brucke

El movimiento se enclava en el periodo comprendido entre 1909  y década de los 30. Praga pertenece al Imperio Austroungaro primero y a Alemania después, con la Primera Guerra Mundial. Son expresionistas destacados Kafka y Munch.

TEATRO

El dramaturgo más destacado del movimiento es Ernst Toller, escribió entre otras obras El hombre masa y Los destructores de máquinas.

Como escenógrafo y director sobresale Max Reinhardt  y su puesta en escena El drama del mendigo.

A Midsummer Night’s Dream at Savoy Theatre, London,1914
Max Reinhardt's production of Sophocles' Oedipus Rex at the Circus Schumann, Berlin, 1910
Max Reinhardt's production of Sophocles' Oedipus Rex at the Circus Schumann, Berlin, 1910
Max Reinhardt's production of Sophocles' Oedipus Rex at the Circus Schumann, Berlin, 1910
Max Reinhardt's production of Sophocles' Oedipus Rex at the Circus Schumann, Berlin, 1910
Scene from Shakespeare's A Midsummer Night's Dream directed by Max Reinhardt, 1938
Scene from Shakespeare's A Midsummer Night's Dream directed by Max Reinhardt, 1938
Scene from Shakespeare's A Midsummer Night's Dream directed by Max Reinhardt, 1938
Set for Max Reinhardt's 1030 production of Faust

Además del primer Brecht. Leer el libro "Brecht y el expesionismo".


Final scene from Brecht's The Good Person of Szechwan, decor by Caspar Neher
Scene from A Man's a Man, written by Brecht
Scene from Brecht's second play Drums in the Night
Set designed by Berthold Brecht for The Good Person of Szechwan, 1920
Set designed by Berthold Brecht, 1924

CINE

El estudiante de Praga (Stellan Rye, Paul Wegener, 1913):

El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)

El Golem (Carl Boese, Paul Wegener, 1920)

Nosferatu (F. W. Murnau, 1922)

Metropolis (Fritz Lang, 1927)
 

Woyzeck de Georg Büchner


Woyzeck/ Baudelaire/ Von Trier




La Creación es un templo de pilares vivientes/ que a veces salir dejan sus palabras confusas;

el hombre lo atraviesa entre bosques de símbolos/ que lo contemplan con miradas familiares.



 -La naturaleza es la iglesia de Satanás/ Nataure is the Church of Devil-


Lectura dramatizada. Trabajo de análisis y propuesta de escenificación: Muerte accidental de un anarquista de Darío Fo


Martes 16 de Abril de 2013


TEMA 14. EL SIMBOLISMO



NATURALISMO

El naturalismo en nuestros días sigue absolutamente vigente. Sobre todo en el terreno de la interpretación ya que las ideas de Stanislavski se han difundido por todo el mundo

El naturalismo cuando surge lo hace de forma marginal, al igual que el simbolismo.

SIMBOLISMO

La formulación más clara del Simbolismo la encontramos en el poema de Baudelaire: Correspondencias


La Nature est un temple où de vivants piliers
Laissent parfois sortir de confuses paroles;
L'homme y passe à travers des forêts de symboles
Qui l'observent avec des regards familiers.
 
Comme de longs échos qui de loin se confondent
Dans une ténébreuse et profonde unité,
Vaste comme la nuit et comme la clarté,
Les parfums, les couleurs et les sons se répondent.
 
Il est des parfums frais comme des chairs d'enfants,
Doux comme les hautbois, verts comme les prairies,
Et d'autres, corrompus, riches et triomphants,
 
Ayant l'expansion des choses infinies,
Comme l'ambre, le musc, le benjoin et l'encens,
Qui chantent les transports de l'esprit et des sens



Lo único que hallamos en la realidad son ecos de una realidad superior que  permanece oculta a nuestros ojos. Con nuestros limitados sentidos y empleando la intuición podemos encontrar correspondencias que nos conecten a ese mundo oculto. La realidad es una totalidad que el hombre separa. Con el fin de volver a experimentar la realidad como una unidad debemos emplear la sinestesia (oler un color, ver un olor). Se pretende captar mediante sugerencias e intuición.

El hombre está perdido en este bosque de símbolos, solo por medio de la intuición podemos captar algo, jamás por medio de la razón o la ciencia, esta última es mentira. La absenta, el jachís, el opio nos ayudan a desarreglar los sentidos y a estar más cerca de la realidad. Para acabar con la separación de lo que esta unido. Vitalismo irracional.

El Modernismo es la correspondencia española del simbolismo en arquitectura. el modernismo engloba además otras corrientes.


La intrusa: que es la muerte. El abuelo ciego es el único que no se deja engañar por los sentidos. La figura más representativa del simbolismo es el ciego, por su capacidad para captar lo inexplicable.

Los ciegos

Pelleas et Melisande: Ambientada en una Edad Media ficticia. A partir de esta obra se rompe con la obra tradicional de teatro. Se rompe con el principio de causalidad. Escenas totalmente independientes situadas una detrás de otra. Lo que importa es captar momentos. Se crea el drama de situación.

Literatura simbolista: Maeterlinck, Valle-Inclán (teóricos del teatro como Adolph Appia, Eduard Gordon Craig)

ADOLPH APPIA

Músico suizo, había estudiado música, muy joven se apasiona por la música de Richard Wagner. Éste último busca la obra de arte total, que según él es la ópera al dirigirse a las cinco sentidos. Appia va a Bayreuth a ver El paseo de Sigfrido a orillas del Rihn y se queda estupefacto al constatar el tratamiento naturalista que da Wagner a sus óperas.

Según Appia la descripción naturalista está fuera de lugar, en su lugar hay que sugerir con paisajes o escenografías evocadores.

Propuestas de Appia para las óperas de Wagner:







 Con el tiempo Appia se da cuenta de que la luz es la creadora de espacios. Para El paseo de Sigfrido propone rayos de luz con diferentes colores. La imagen de la luz traspasando el bosque. Su escenografía se reduce a lo esencial. Estas teorías fueron despreciadas por la familia Wagner. Conoció a Gordon Craig y a Jackes Dalcroze, fundador de la gimnasia rítmica.

Para el final de su vida llega a su propuesta final. El teatro es una obra de arte viviente, lo que hace para él que el papel más importante lo jueguen los actores. Appia es el teórico de la danza contemporánea. En su épaca madura trabaja con escaleras, bloques, todo pensado para dar juego al movimiento del actor.

La vida de Appia puede describirse como una consecución de sucesivos fracasos. Murió joven.

Miércoles 13 de Febrero de 2013

Hoy en Prácticas de Escritura Dramática I:



LA COMEDIA, CLAVES DE LO CÓMICO

 

-Lo cómico es algo voluntario, no es un accidente.

-Lo que hacen los cómicos de hoy en día en lugares como Paramount Comedy tiene más que ver con los cuenta cuentos de antaño que con la comedia.

-Lo cómico en relación con la acción. La idea de lo mecánico en todo. Si no fueramos tan mecánicos no tendría lugar la comedia. Somos mecánicos en nuestros comportamientos y acciones.

Una noche en la ópera. Hermanos Marx



-Las acciones van a fracasar, en virtud de ese automatismo.

-Si las acciones salieran bien, no habría comedia. Como somos automáticos esperamos que se cumpla algo, pero no se cumple.

-La comedia introduce el caos en el orden. Cuando el orden lleva mucho tiempo instalado aburre. Lo cómico nos recuerda insuflar algo que le falta al orden.

-La comedia es de lo físico (trabajamos con lo inmediato y lo real). Es un error que la comedia represente una realidad de segunda división.

-Lo metafísico (tragedia) frente a lo físico (comedia). Terrenos totalmente diferentes, complementarios pero no contradictorios. La tragedia pura no necesita nada, los cuerpos o como mucho las voces de los actores, pero la comedia precisa objetos

-En la película Angel de Ernst Lubistch se cuenta la historia a través de dos filetes.

-En la comedia lo psicológico se produce en relación con el espectador, en que éste se siente superior y aliviado frente a lo que sucede.

-Todos hemos hecho el ridículo en alguna ocasión de nuestra vida. Reconocemos la situación y nos sentimos superiores. El concepto de lo ridículo va insoslayablemente relacionado con lo social.

-La película Ridicule, sobre la corte de Luis XIV. Película fascinante por la psicósis que generaba en la corte caer en gracia.




-En Moliere el sentido del ridículo es importantísimo.

-Al reirnos de los otros nos reimos de nosotros mismos. A través del espejo del otro nos damos cuenta de nuestra futilidad. Y así aprendemos.

-Reirse de uno mismo es muy sano pero no cuando se hace para fustigarse publicamente o cuando nos reimos de aquello que no nos afecta.

-Un ejemplo soberbio de humor sano es el de Tabori, un judío que hace comedia con los campos de concentración.

-En ucnato a la risa, está estructurada por la parte social. a veces uno simpatiza o no con el humor de otros, eso depende de reconocer el referente social. Hay personas a las que les hace gracia el humor inglés y a otra el humor gomero.

-El lenguaje es diferente en cada idioma. El deadpan (sartén muerta) es un tipo de comeida inglesa nosotros no hacemos.




-La risa es contagiosa, es uno de los actos más comunicativos. Nadie se rie solo, se rie de algo que está viendo mentalmente, la risa tiene que ver con alguien.

-En cuanto a lo dramaturgico la risa se basa en el "quid pro quo" = ésto por aquello. Y que es la confusión (de identidades,...)

-La comedia se basa en el enredo, todas las comedias son de enredo. Una comedia de enredo no especifica nada, es una tautología.

-La comeida necesita una estructura. Al ser tan libres las estructuras del teatro posdramático no hay comedia posdramática.

-La comedia comienza con un mundo x, equilibrado, en este mundo X, sucede algo que lo desetructura y el resto de la historia es recuperar la estructura. Es lo mismo que el viaje del héroe. Si algo de este mundo se ha desestructurado es porque algo anda mal. Por lo tanto descubrimos qué es eso, teneidno semejante descubrimiento una función didáctica.
-Una cosa que caracteriza a la comedia es la relatividad. Necesitamos adjetivos todo el tiempo.


PARODIA, CARICATURA Y SÁTIRA

Parodia: humor a costa de un lenguaje preexistente. Aterriza como puedas, parodia no de la realidad sino de un lenguaje existente. Tenemos un lenguaje común, podemos parodiar todas las construcciones. Para que una parodia sea buena tenemos que ser mejores que aquello que parodiamos, tenemos que superarlo.



Caricatura: exageración de los rasgos. Tiene que ver con las personas, ni con las ideas ni con las cosas. Rasgos esenciales, reconocibles, significativos para todos.

La caricatura va inserta en la parodia o en la sátira o puede ir por libre.

Un ejemplo de caricatura es Los pelópidas (Menestra, parodia de la tragedia griega) de Jaime LLopis o La venganza de Don Mendo

Sátira: humor político. Cuando nos reimos de las estructuras sociales. Hay una función crítica importante. El objetivo es hacer daño. Te voy a dar.




Las viñetas de periódicos aspiran a lo satírico.




La vida de Brian es sátira y parodia y utiliza también la caricatura.

Martes 12 de Febrero de 2013

TEMA 8. EL TEATRO CLÁSICO FRANCÉS



"Le roi danse", película sobre, entre otras cosas, el nacimiento de La Comedia Ballet a manos de Móliere y Lully.

Jueves 7 de Febrero de 2013

TEMA 10. LA ILUSTRACIÓN


Aún estamos en el Antiguo Régimen. No era el mundo de la absoluta libertad que estaban propugnando los ilustrados. Este movimiento se da de forma localizada y muy poco a poco. El tipo de teatro italiano se hace uniforme y se acaba implantando en toda Europa.

Los teatros ingleses fueron destruidos tras la ola de puritanismo y los corrales de comedia y los antiguos teatros franceses de pelota se hacen ahora a la italiana.


QUÉ FUE DE LOS CORRALES DE COMEDIAS (PÚBLICOS)

La situación de los corrales de comedia fue la siguiente, unos desaparecieron definitivamente. Un orzobispo en Sevilla y otro en Córdoba aprovecharon las coyunturas para derribar todos los de esas ciudades. En otras ocasiones esos corrales se transformaron, por lo tanto conservaron algo del antiguo corral aunque adaptado a las nuevas modas italianas. Y con el resto de corrales que quedaban se tiraron directamente y se construyeron en su lugar italianos.

En Madrid esto ocurrió entre las décadas 1730 -1745. Éstos nuevos teatros (los antiguos corrales de la Cruz y del Principe) se llamaron Coliseos.

El rey de la época Felipe V, era Borbón, francés. La casa de Austria se acabó con Carlos II que muere sin descendencia, momento en el que las potencia europeas se movilizan dando lugar a la Guerra de Sucesión Española, que se libró en numerosos sitios, también fuera de España. La fiesta de la diada catalana es la fecha que conmemora la caida de Cataluña ante las potencias francesas.

En el Siglo XVIII todas las reinas francesas eran españolas.

Antes de transformar los Corrales de la Cruz y del Príncipe en Coliseos se había levantado en El Antiguo Lavadero de Los Caños del Peral un teatro a la italiana (parte de sus cimientos pueden contemplarse en las escavaciones del metro de Ópera). Este nuevo teatro a la italiana fue también derruido para construirse a continuación un coliseo para ópera, que serviría de modelo a los coliseos públicos que se construyeron a partir de entonces. Tanto uno como otro tuvieron diversos problemas. La etapa más reciente es la de el actual Teatro Real, que hasta hace poco que fue totalemte remodelado se estaba hundiendo a causa de las humedades propias de esa zona paso de aguas.

La plaza de Oriente es de José Bonaparte. Al construirse el Teatro de ópera se hallanó toda la zona colindante, subiéndose hasta 10 metros el nivel del suelo.

Cuando en 1745 se abre el Coliseo del Príncipe se da por primera vez la situación de que sea la misma forma de representación la de Madrid que la de París, Viena o San Petersburgo. También en cuanto a la forma de escribir o interpretar. Esta es la época en la que se implanta el clasicismo francés en toda Europa.

TEÓRICOS EN CONTRA DEL CLASICISMO

Todo esto no se hace sin ciertas resistencias. Este proceso de uniformidad que comienza a finales del siglo XVII y a mediados del siglo XVIII llega a nuestros días.

En esta época se produce el debate-conflicto entre los que están a favor del clacisismo y los que no.

Surge una tendencia que esta firmemente en contra del clacisismo, a la que pertenecerán dos grandes teóricos:

  • Diderot
  • Gotthold Ephrain Lessing

Desde una postura de aceptación del modelo existente critican el clasicismo. (Los nacionalismos tardarán poco en llegar)

Diderot:

En contra de la idea clásica de los géneros puros Diderot constata que hay cinco nuevos géneros. Esto sucede porque la burguesía - clase media en parte no esta de acuerdo con el discurso de exaltación de la monarquía del clasicismo.

También se plantea la idea de que hace falta un nuevo modelo de comediante. Diderot escribe en 1770 La paradoja del comediante, aunque Lessing en Alemania ya había escrito para esas fechas algo muy parecido.

Lessing:

Lessing era periodista, profesión que surge en la Ilustración y oficiaba como crítico. Cuando un oligarca comercial decide crear un teatro en Hamburgo tiene la gran ocurrencia de contratar a la mejor compañía de lá época, además de a Lessing. En este teatro se plantean la idea de hacer un teatro nacional alemán. Es el momento en que Lessing empieza a ejercer una labor que hasta entonces no se había realizado antes, la de dramaturgo.

Lo contratan para hacer que la gente se instruya a través de los folletos de mano (creados para la ocasión) que crea para cada obra además de supervisar todo el proceso de la creación de los espectáculos, para que se ciñeran a la idea Ilustrada planteada. Lessing publicó todos sus folletitos en una obra, que no estaban pensados para aparecer en un libro sino para instruir a las personas en cada obra.

Lessing fue defensor de la dramaturgia de la identificación. Sufrimos con la persona no con el título. Recitar como un papagayo no es actuar. Se puede sentir mucho y no transmitir y viceversa. Ésta es la paradoja del actor. Es la actividad física la que crea la emoción.

Para Lessing Francia deja de ser el modelo y pasa a serlo Inglaterra. Reivindica a Shakespeare y el barroco español frente al francés. Escribe entre otras cosas Miss Sara Samsong.

Momento de esplendor del folletín del que derivará toda la literatura sentimental. Con obras como Pamela de Richardson o Clarissa Harlow.

Martes 5 de Febrero de 2013

TEMA 10. LA ILUSTRACIÓN


 Apuntes cortesía de la gran Isa


Hacia 1750 comienza la época de La Ilustración. Existe un planteamiento sobre el conocimiento y el acceso al mismo y de ello deriva la aparición de La Enciclopedia. Es una época en que los intelectuales abogan por el saber, la cultura y la necesidad de su divulgación.

La mentalidad contemporánea es deudora compeltamente de La Ilustración. El pensamiento que imperaba era el racionalista. Esto no implicaba una oposición a la religión (muchos ilustrados eran religiosos), sino que se enfocaba al descubrimiento de verdades sobre la naturaleza, se buscaban bases científicas para dar explicación a fenómenos naturales. La idea básica de los ilustrados es que la felicidad se consigue a través de la razón, la educación, la cultura. El fin de todo ser humano es encontrar la felicidad, que está en este mundo, no en otro. En política esto se traducía en que el gobierno debía actuar en función de la felicidad del pueblo, debía provocarla.

La máquina de vapor fue un invento de la Ilustración y esta llevó a la primera revolución industrial.

Búsqueda de la verdad basada en principios científicos, a lo que ayudó el empirismo inglés anterior y el racionalismo de Descartes.

En cuanto a política , la sociedad estaba sumergida en el mundo de las monarquías absolutas. Fue Montesquieu quien propone la división de los poderes: legislativo, ejecutivo y judicial, desafiando la posición del rey absoluto. Esto lleva al fin del Antiguo Régimen y propondrá la idea del ciudadano frente al súbdito: creación del estado moderno.

Nace también la idea de la economía moderna, el libre mercado.

Ascenso de la burguesía frente a la nobleza territorial

La religión se concibe como un sentimiento personal, de fe y creencia en un ser superior que no tiene nombre.

Libro: Alazán el sabio. Lessing

TEATRO

Se introduce el gusto por el llanto. La razón sirve para entender la naturaleza pero el ser humano no se caracteriza por la razón sino por el sentimiento.

Obra: El delincuente honrado (Jovellanos). Ejemplo de Comedia lacrimosa. Ésta comedia se inventó en Francia. 


Jueves 31 de Enero de 2013

TEMA 9. BARROCO ITALIANO



Apuntes cortesía de la gran Isa

La situación en Italia (península itálica) durante el barroco era similar al Renacimiento. No existía Italia como entidad política, sino diferentes cortes y ciudades libres en la Península. En el centro de Italia estaban los estados pontificios. El Papa era el señor de los estados pontificios. Había posesiones austríacas, posesiones españolas. Venecia, República dominada por una oligarquía al frente de la cual estaba el Dux, el duque (ciudad de gran potencia económica), el ducado de Florencia.

Había rivalidades entre las cortes, que seguían siendo muy importantes en Italia. El arte en esta época se caracterizaba por el falso lujo, recargado ornamentalmente, ostentoso. Es la época de los grandes espectáculos. Se produce en teatro el desarrollo de las grandes escenografías y de nuevos géneros. Competencia entre las cortes por ahcer el mejor espectáculo.

El más importante de los nuevos géneros surgidos fue producto de un malentendido. Esto fue cuando en la corte de Florencia decidieron imitar las obras griegas y establecieron que las obras clásicas eran contadas. Como decía Aristóteles, dos partes importantes de la tragedia eran el espectáculo y la melopeia (hacer música). De aquís acaron la norma de las tragedias contadas. Entonces los músicos de la corte de Florencia, Camaratta Fiorentina, crearon una nueva represetnación, una obra (ÓPERA), toda ella cantada. Fue en el año 1596-97, cuando se estrenó primera ópera, absolutamente cantada "Dafnis". Los actores eran cantantes, no interpretes. La música de Dafnis era de J. Peri y el texto de Rinucini.

Unos años después, Claudio Monteverdi intervino en este espectáculo (Monteverdi estaba al servicio de los Duques de Mantúa) y fue el verdadero creador de la ópera como género propio con su propio lenguaje. Creó la primera ópera del repertorio mundial, el "Orfeo" de 1607.

Lo que hace Monteverdi es crear un nuevo lenguaje musical para solventar algunos problemas, como el aburrimiento del espectador producto de la linealidad de los cantos. Crea diferentes tipos de música y cantos. Aparece el RECITATIVO, una parte recitada con acompañamiento de fondo musical. Esto permitía que en las partes narrativas la múscia no entorpeciera o aburriera. Los grandes momentos de la música son las arias. En el aria los personajes se encontraban y dialogaban. Se establece el lengauje de la ópera moderna hasta Wagner.

La estructura de Monteverdi establece una sucesión de recitativos entre duos, tríos, coros, etc.

ORFEO

Incluía todos los elementos de los espectáculos cortesanos. Orfeo era el gran músico de la antigüedad. Su esposa, Eurídice, fue mordida por una serpiente y se murió. Orfeo baja a los infiernos para buscar a Eurídice. El hades le dice que salga y que su mujer le seguirá, pero si mira para atrás para comprobar si ella lo sigue, ella desaparecerá y no la volverá a ver nunca más. Orfeo sale del Hades, pero por el camino duda de la palabra del dios y mira hacia atrás para ver desaparecer a Eurídice.

En Venecia, república de gran potencial económico, se aleja del mundo de las representaciones cortesanas. La llegada de Monteverdi a Venecia lleva la ópera a las representaciones públicas. La primera ópera que se escribe en Venecia es "La coronación de Popea". Popea fue la esposa de Nerón. Popea seduce a Nerón y hace que deje a su mujer legítima, para hacerse ella con el poder. Ésto supone un nuevo camino para la ópera, el típo histórico de carácter político.

En Venecia en 1637 se crea el primer teatro público para la ópera. El teatro de San Cansiano. Es un teatro que tiene un gran éxito. A partir de ese moemnto se empiezan a levantar teatros de ópera en Venecia, donde la ópera adquiere un caracter popular. De aquí se expande por el resto de Europa. Muy rapidamente se instala en Viena, uno de los grandes centros de ópera durante el XVII y XVIII. Al tener una relación muy directa con Italia, las óperas de Viena se cantan en italiano.

Los dos países en los que no terminó de cuajar la ópera en italiano fue en Ingalterra y España.

En España la primera ópera que se hace "La selva sin amor" (Lope de Vega) en 1621, una historia mitológica, con música de un italiano. En la época de Calderon se introduce en género musical en el teatro, cantado en español, por lo tanto hay óperas de Calderon. La ópera compite con otro tipo de representación mixta (partes cantadas y partes habladas) que gustaba mucho más a los españoles, LA ZARZUELA. Durante dos siglos hubo competencia constante entre la ópera y la zarzuela.

Con la aparición de este nuevo género, termina imponiéndose en toda Europa el edicficio teatral creado para el mimo: el teatro a la italiana (modelo de teatro concebido a finales del siglo XVI). El más antiguo que se conserva es el del gran escenógrafo que había trabajado en Francia, Torelli, que levantó El teatro a la Fortuna, en Feno. Este se convierte en el modelo de teatro general de todos los teatros europeos.

IMAGEN: Combate del amor y la guerra. Florencia. G. Parigi (mundo cortesano, fiestas)
Teatro della Fortuna (Torelli). Las gradas que rodeaban al escenario se convierten en palcos.
Teatro comunale di Bologna. Teatro mundicipal de Bolonia
Bayreuth Gross (Duques de Baviera) Palco ducal- palco real. Zona diseñada especialmente pasra los duques de Baviera que después serían reyes de Baviera.

El desarrollo de la ópera y por consiguiente, de la escenografía italiana, tiene su punto culminante en la persona de Bunacini (escenógrafo que trabaja en Viena). En Viena las representaciones eran por todo lo alto, no se reparaba en gastos.

Además otros grandes escenógrafos feuron los Galli-Bibbiena, que incorporan la perspectiva oblícua en la escenografía italiana. Ya no es el centro del cuadro el punto de fuga. Estos eran dos hermanos y el hijo de uno de ellos. Éste es el punto culminante de la escenografía a la italiana. Luego se enriqueció, pero dentro de los códigos ya establecidos por los Galli- Bibbiena. Ésta época culminate corresponde a los años de 1700.

Martes 22 y Jueves 24 de Enero 2013

TEMA 8. EL TEATRO CLÁSICO FRANCÉS



LOS LOCALES DEL TEATRO COMERCIAL

Los españoles crean un tipo de local nuevo a partir de los patios. Los ingleses a partir de los corrales de peleas de animales. Los franceses los crean a partir de las canchas de tennis o "juegos de pelota".

El primer local francés dedicado al teatro es una cancha rectangular. A uno de los lados hay una galería para ver. Este edificio techado es ideal para el clima francés. Éste local rectángular se corta y en uno de los extremos se crea un escenario, una caja de escenario en la que no se utiliza escenografía a la italiana.

Luego tenemos un patio para ir de pie (sólo para varones). Al fondo del patio se colocan unas gradas. Los palcos sirven como aposentos donde pueden ir mujeres o gente con dinero.

El escenario tablado tiene escenografía fija. La gente más importante se coloca en el tablado.

Había actrices. La gran diferencia del teatro francés respecto del español o del inglés de la época es que el primero no tiene movilidad. La moda y norma clasicista exige que las obras tengan lugar en un solo sitio.

El edificio recuerda a los españoles e ingleses. Pero es peor para la audición y la visión. La visión en estos locales es central exclusivamente.


LOS DOS PRIMEROS TEATROS

Hôtel de Bourgogne construido en 1552. Al igual que en España era un teatro que pertenecía a una cofradía. Tenían monopolio en las representaciones religiosas pero éstas son prohibidas. Cuando vuelven a estar permitidas no atraen al público por lo que se ven forzados a alquilar la sala a compañías de teatro.

Teatro del Marais. Se construye a principios del siglo XVII, momento en el que se establece una competencia entre una y otra sala que se mantendrá durante todo el siglo.

La competencia entre estas dos salas también dio pie a rivalidad entre autores.


UN MOMENTO CRUCIAL

En 1636 se estrenó en el teatro del Marais El Cid de Corneillle (hoy en día sería denunciado por plagio). Se convierte en el gran éxito del siglo. Ésta pieza es básica en la formación de los franceses. Además, esta obra es fundamental porque a raiz de su estreno se origina la Querelle (conflicto) que desembocaría en la imposición por parte de La Academia Francesa con sede en casa del cardenal Richelieu de la estética clasicista. 

El Cid era una obra que para los intelectuales estaba mal porque no seguía las normas de la estética clasicista. Corneille era partidario de la libertad de escritura.

A raiz de La Academia del cardenal Richelieu se crea La Academia Francesa de la lengua de la que deribarán las demás académias europeas. Hace falta crear un modelo de estado y de lengua. Se empiezan a dar normas a partir de esta academia privada. Las Academias en España son creación de los Borbones (franceses)

En esta reyerta gana Corneille, pero se da cuenta que no puede tener éxito estando enfrentado con el cardenal Richelieu, entonces para complacerle escribe Horacio. Él y los demás autores acaban adaptándose a la poética clásica. Los humanistas leen a Aristóteles y lo que en Aristóteles son recomendaciones ellos las convierten en normas. Acaba imponiéndose la norma clasicista a raíz de la conversión de Corneille. 


LAS REGLAS CLASICISTAS

Tiene que haber géneros puros, no pueden haber géneros mixtos.

Las tres unidades (de acción, de tiempo y de lugar). Pues se llega a la conclusión de que ocurra en un día, en un edificio y que dure lo mismo que la representación.

No puede usarse verso y prosa. Sólo una forma estrófica, el pareado alejandrino (suena mejor en francés que en español) formado por 14 sílabas, 7 más 7, rima el primero con el segundo. Plúmbea, monótona.

Verosimilitud: en primer lugar se consigue con las tres unidades. Estamos viendo un trozo de vida sin romper  las coordenadas. 

Boileau es el autor del arte poética clacisista que se impone.


DECORADO ÚNICO

La consecuencia de estas normas sobre la puesta en escena es que ésta será más sencilla. No hace falta el cambio de escenario típico de la comedia italiana ni el de los varios niveles del teatro isabelino y el de los corrales de comedias.

La tragedia representa a hombres mejores que nosotros y la comedia a hombres peores (los que no son nobles). Aristóteles no hace una diferenciación moral. En Francia la tragedia será exclusiva para reyes y nobles.


ESTATISMO DEL ACTOR

El actor no tiene por qué moverse demasiado (al contrario que los italianos) pero sí ha de ser un gran recitador. Esto puede tener que ver con las salas del juego de pelota. Personajes que hablan mucho.


CONSIDERACIONES DE STEINER

Cornueille es incluso para los franceses demasiado novelesco. Es Racine, según sus compatriotas, el cúlmen del arte dramático. Gran autor además del Hôtel de Bourgogne. En La muerte de la tragedia de Steiner se nos dice que Racine es el mejor dramaturgo que ha existido jamás. Steiner es uno de los críticos más importantes de nuestro tiempo.


MOLIERE

En la segunda mitad del siglo XVII el teatro francés sube, coincidiendo con su supremacía política y los de otrso países como España o Inglaterra bajan.

A partir de 1635 Francia entra en guerra con España ya que Francia quiere acabar con la hegemonía de los Hasburgo. Guerra que durará todo el siglo. Dos derrotas españolas y la aceptación por parte de España de la primacía de Francia con el edicto de los Pirineos resuelve la situación a favor de los franceses.

Juan Bautista Poquelín, llamado Molière llega a París. Siendo estudiante de derecho se va con un grupo de cómicos y cómicas  pora representar en provincias. Cuando su compañía ambulante llega a Paris el rey Luis XIV acepta recibirlos. Representan una tragedia y lo hacen fatal. La corte se aburre. Molière ve que el rey se está aburriendo y decide presentarle una farsita suya. Se dan cuenta que eso sí está bien y se convierten ene protegidos del rey.

Molière es un autor de gran éxito comercial. En el Tartufo ataca a una congregación falsamente puritana. Recibió tantos ataques que no pudo representarse sino 7 años después. Un hipócrita religioso es Tartufo. El final impuesto por la moral de la época es un final espantoso. En esta época habían grandes tensiones religiosas. Racine sin ir más lejos se da cuenta que se dedica a una actividad pecaminosa y decide dejar la escritura. Era jansenista.
 




A la compañía italiana de la Commedia del'arte que representaba en París le dio por hacer una farsa y burlarse de la mujer del rey Luis XIV. El rey cerró el teatro, hechó a la compañía y no volvió a haber comedia italiana en París hasta la muerte del rey.


LA COMÉDIE-FRANÇAISE

En 1680 Luis XIV en pleno campo de batalla hizo que se unieran las dos compañías de tearto en una sola. Sería la futura Comédie Française.

Miércoles 23 de Enero de 2013

TEMA 3. EL CONFLICTO. LA ACCIÓN DRAMÁTICA



Vemos la escena final de la película Soy leyenda. En la cual aparecen unos hombres-mounstros con unas bocas terroríficas, mandíbulas descomunales sanguinolientas.



ICONOGRAFÍA MANDIBULAR

Tenemos muchos personajes dentados en nuestro miedo.

Mandíbula, dentición, dientes numerosos, esto tiene que ver con nuestro miedo infantíl a la dentición.

Niño: succión (capacidad innata del ser humano), oportunidad de alimentarnos. Sin que nadie le explique qué está pasando su mundo cambia. Terror infantil guardado de la primera dentición. Temor a la práctica caníbal. Los colmillos dentados del lobo son lo que nos da terror. Tiburón, animal con mandíbula hiperdentada. Anibal Lecter, miedo mandibular y canibalismo. Vampiros


ESTRUCTURAS ANTROPOLÓGICAS DEL IMAGINARIO.

¿Existen conceptos, imágenes de rango universales?

La antropología cultural dice que sí. Están en cualquier ser humano independientemente de su condición.

La antropología cultural vivió un momento álgido en la Francia de los años 60. En mayo del 68 se hacen preguntas y se defiende la imaginación de forma consecuente. La antropología cultural se pregunta si dentro de nuestro imaginario hay elementos comunes. Gilbert Duran es el que fundamenta gran parte de las aportaciones de esta ciencia.

Sobre la imaginación. Hay elementos innatos al imaginario de todo ser humano. "En cada recién nacido se encuentra la potencialidad de todo lo que la humanidad ha podido hace."



Según Gilbert Duran, los elementos innatos en un recién nacido son tres:

-Primera dominante (vertical y postural)
-Segunda dominante (digestiva o de succión)
-Tercera dominante (rítmica)

Éstas imágenes no están determinadas ideologicamente

La primera dominante: colocar a un bebé erguido se asocia al mundo del padre y está ligado con las herramientas que sirven para cortar y separar. La espada. Todo lo relacionado con la elevación, el aire, la luz, las armas

La segunda dominante: mundo simbólico de la madre. Herramientas que tienen que ver con contener. Mundo de la alimentación , de lo digestivo, copa, leche, miel , vino, oro, el santo grial (es la copa que da la vida), el arca de Noé, proteger a la humanidad, abrazo, contención, una nana es contener. Cortar el cordón umbilical, erguir, la figura angélica va a veces armada, el cielo, el ángel, el héroe, el caballo, los campanarios, los figurats, concepto de verticalidad, de elevación. Los pájaros dejan de ser animales por tener alas. La paloma (espíritu santo), la simbología del padre, aéreo.

En las compañías aéreas hay una conexión con lo militar

La tercera dominante: tiene que ver con el sexo, con lo copulativo. Relacionado con los ritmos, ciclos de la vida. Los calendarios, las estaciones, los astros y las ruedas (circular, cíclico) y la rueca. Hilar, tejido, el hilo de la vida, las parcas

Constelación: serie de elementos, campo de imágenes

Esta teoría de la antropología cultural no es la del psicoanálisis. En la antropología cultural la imagen no cristaliza a través del trauma. La imagen no es grabada en el inconsciente por medio del trauma.

El psicoanálisis trabaja con imágenes de un sesgo ideológico importante

Jueves 17 de Enero de 2013

TEMA 7. EL TEATRO ISABELINO

 


EDIFICIO TEATRAL

Ben Jonson. El zorrón. Inglaterra es el único país en el que el teatro a la italiana no lo hacen italianos. Mujeres de Venecia, Joseph L. Mankiewicz

Iñigo Jones, arquitecto importantísimo para la escenografía inglesa. Estuvo en Italia en dos ocasiones a principios del siglo XVII donde conoció la obra de los arquitectos italianos. Fundamentalmente Serlio, Vitruvio. Arquitecto de formación italiana. El renacimiento entra en Inglaterra por Iñigo Jones. Cuando Iñigo viaja a Italia Paladio lleva muerto 20 años.

Este tipo de teatro se hace para mayor gloria del rey y es importantísimo para el desarrollo de la escenografía a la italiana.

Imagen primera. templete del fondo que recuerda al de Bramante. Enmarcada por dos bastidores.


VESTUARIO

El otro elemento esencial del teatro palaciego es el diseño de vestuario. En el teatro comercial no había diseño de vestuario. En "el arte nuevo de hacer comedias" de Agustín de Rojas se nos habla de que el vestuario de los corrales de comedias era propiedad de los actores. Un cómico después de muchos años de profesión podría tener varios vestidos.

El desarrollo del vestuario tiene lugar en este ambito. Es este teatro que se hace con gente culta y que además tiene dinero.

Vestuario de Iñigo Jones. Vestuario romano adaptado a la moda inglesa. El vestuario teatral tiene que ser más ostentoso. Estos acontecimientos sociales eran una plataforma para la moda del momento.


LORD CHAMBERLAIN'S MEN THEATRE COMPANY

Richard Burdage. Hijo de James Burdage quien fuera constructor del primer teatro público y del Black Friars. Richard, su hijo era un gran cómico y un gran trágico. Fue el actor que hizo los principales papeles de Shakespeare. Shakespeare era segundo actor en la compañía de Richard Burdage.

A los cómicos se los consideraba servidores del rey o bajo la protección del rey o de cualquier otro señor, la compañía de Shakespeare se hacía llamar primero Lord Chambelan Men y más tarde Kings Men.

"Toda mujer que se expone a ser vista por mucha gente es una prostituta"

Los ingleses de antes no son los de ahora, antes eran gente bárbara, el tipo flemático es posterior.

La Duquesa de Malfi de Webster, autor muy sangriento.




La obra de Shakespeare ha llegado a nuestros días a través de las ediciones Folio, Cuarto Malo y Cuarto Bueno. La diferencia de unas a otras es abismal. Fueron hechas a partir de la memoria de los actores que las representaron.

El memorias: el pirata de la época. Iba varias veces a ver una obra para memorizarla y luego vendérsela a algún editor.

En 1640 con la guerra civíl, desaparece todo el teatro.

En 1642 se da la ruptura entre el rey (Carlos I) y el parlamento (representado por Cromwel). se produce una guerra civíl y acaba con la derrota del rey y su decapitación.

El líder del parlamento Oliver Cromwel prohibió el teatro en 1642. El gobierno constitutivo tras la ejecución del rey se dió en llamar commonwealth. Se arrasaron todos los teatros procurando acabar con esa costumbre tan dañina. Contradictoriamente Cromwel era líder de la revolución liberal contraria a la monarquía.

Con Carlos II de Inglaterra, rey muy corrupto, el teatro que vuelve es de influencia francesa. Se hacen teatros a la italiana. Además hay una novedad, introduce la interpretación de las mujeres. Entonces se impone este teatro clasicista francés en el cual Shakespeare es considerado mal autor.


 EL TEATRO CLASICISTA FRANCÉS


El Rey Sol. Es la época de la segunda mitad del siglo XVI.

En 1547 se estrena el Misterio de Valencienne. Al año siguiente se prohíben las representaciones religiosas. La matanza de San Bartolomé. La reina Margot es hermana de Carlos IX. Ésta matanza tuvo lugar cuando las guerras de religión estaban llegando a su fin.

"Paris bien vale una misa"

Enrique de Navarra, protestante, se propone como rey de Francia. Paris se niega a aceptarlo. Felipe II aprovecha para poner a su hija como reina de Francia y manda al ejército de Flandes a Paris. Enrique de Borbón se convierte al catolicismo.

"Si non e vero e bien trovato"

Y tiene lugar el edicto de Nantes que permite que hayan unas zonas protestantes y otras calvinistas.

A finales del siglo XVI acaban las guerras de religiones y vuelven a permitirse los espectáculos. 

Miércoles 16 de Enero de 2013

TEMA 3. EL CONFLICTO. LA ACCIÓN DRAMÁTICA


"Escribir es decidir"

LA FÁBULA

Según Patrice Pavis el término procede del latín y quiere decir cuento. No nos referimos al subgénero literario en el que los personajes son animales humanizados.

Patrice Pavis cita la existencia de dos acepciones opuestas de fábula:

Primera acepción: material anterior y posterior a la composición de la obra
Segunda acepción: estructura narrativa de la historia

Los ingleses utilizan las palabras story para la primera acepción y plot para la segunda.

Segunda concepción: Estructura las acciones en un espacio-tiempo abstracto pero que está construido a partir del espacio-tiempo y comportamiento de los humanos. Es el proceso de seleccionar, organizar y ordenar. Éste proceso se consigue siguiendo esquemas.

El orden con el que establecemos los acontecimientos es importantísimo. ¿Qué ocurre antes de que comienze la historia?

En el story prima el orden, privilegiamos la noción de orden. Es la narración de sucesos ordenados temporalmente. Ejemplo: el rey murió y luego murió la reina. El oyente se pregunta ¿y luego qué pasó?

En el plot prima el principio de causalidad. Es la trama. Ejemplo: el rey murió y luego murió la reina de pena. El oyente se pregunta ¿por qué?

El "por qué" tiene que ver con la ideología. La causalidad nos sitúa en una valoración del mundo determinado.

Romeo y Julieta = mecanismo prodigioso de temporalida y causalida. Shakespeare nunca nos dice por qué capuletos y montescos se detestan, todo ocurre con celeridad. Mecanismo feroz de determinación. Los dos han sentido lo mismo. Cada vez que Romeo hace algo queriendo conseguir algo consigue lo contrario. Ese mecanismo de causalidad opera constantemente. Mecanismo prodigioso de acción: la lucha del amor contra el odio.

En la dramaturgia clásica fábula remite a un contenido preexistente. Los autores están al servicio de estos contenidos.

Para Aristóteles una fábula es el ensamblamiento de las acciones realizadas.

A partir del siglo XVIII Lessing (escuela de Hamburgo) la fábula aparece como un elemento que puede ser diferenciado de las fuentes de la historia.



FÁBULA BRECHTIANA

Brecht propone una nueva concepción (eramos pocos y parió la burra). La fábula no es un dato aislado ni objetivo, tampoco inmediato.

Para Brecht fábula es igual a punto de vista de la historia. Lectura de una obra. construir la fábula es tener un punto de partida de la Historia y de la historia

La historia no descansa sobre una narración contínua. Además la fábula la construye el equipo artísitco. La fábula no es un dato, se interpreta por un equipo artísitco en un tiempo determinado.

Conectando la Historia con la historia

¿Qué estás diciéndo cuando dices? ¿a quién hablamos?

El concepto de dramaturgista tiene mucho que ver.

Para Brecht la fábula deja de ser lo que explica Aristóteles en su poética y se fundamenta en el principio de discontinuidad.

Antes de Brecht el tiempo en las historias era finito y continuo, a partir de él los episodios saltan en el tiempo.

Ejemplo:  Madre coraje. Está llena de saltos temporales. Hay elipsis. Brecht rompe la temporalidad o espacialidad. esto en Brecht es permanente.

En Madre coraje los problemas están puestos en énfasis. Saltamos de país, de estación del año. Esta discontinuidad está al servicio del énfasis. Ese concepto de tiempo tiene que ver con que el espectador confronte lo que ve con su propia realidad.

Esta nueva concepción de fábula brechtiana tiene que ver con una crítica al ideal burgués ya que la literatura está al servicio de una ideología.

Fábula es escoger una interpretación, escoger una distribución de los acentos significativos. Desde este punto de vista la escenificación no es entendida como clarificación definitiva del sentido sino como una opción hermenéutica.

Patrice Pavis. Artículo ¿por qué no creo en el posmodernismo?. Revista ADE.

Yolanda Pallín habla de cualquiercosismo.

Brecht se aleja de un concepto único y denotativo del drama. La fábula se constituye detrás de cada lectura, interpretación y escenificación. La fábula nunca es un dato objetivo.



3 TIPOS DE PERSONAJE: ESTEREOTIPOS, ARQUETIPOS, TIPOS

Robert Abirached: La crisis del personaje

ARQUETIPO


Aquel personaje que ha cristalizado en el imaginario colectivo ligado a las instancias fundadoras. Aquel personaje vinculado a las tres preguntas fundacionales que una sociedad se hace:

¿quienes somos?; ¿de dónde venimos?; ¿a dónde vamos?

¿Cómo una sociedad se responde a estas preguntas?: mediante las religiones, los mitos, las leyendas y el arte en general.

Los arquetipos se caracterizan por su amplia longevidad. Perduran en el tiempo. Su estética puede cambiar pero aún así permanecen.

Ejemplo:

El salvador: personaje que tiene la misión de salvar a la humanidad, dispuesto a el sacrificio de sí mismo por el planeta entero. Noé, Jesús de Nazaret, E.T, Terminator, Neo, Edipo...

La ciencia ficción se alimenta de forma prólija de la figura del salvador.

JUNG estudia los arquetipos.

Un arquetipo nos puede engañar en cuanto a su aspecto, que es cambiante según las culturas. Además se vincula a la filosofía.

Ejemplos: Mahabarata, Ramayana, Antiguo testamento...

El género ideal para los arquetipos es la tragedia.

TIPO


Personaje ligado a las relaciones socio-laborales o con las jerarquías socio-laborales.

Lo que define a un personaje es su situación social. Dónde trabaja, a quién obedece, a quién manda...

La Comedia del arte se funda en los tipos socio-laborales, también lo encontramos en Moliere, Racine, Shakespeare, Plauto.

Arlequín viene de Bérgamo. Su tarea en el puerto de Venecia es cargar y descargar. Trabaja para otros que le mandan. Es un personaje hedonista, quiere comer, beber y dormir. Para poder hacer lo que quiere tiene que engañar. Él es un Zanni. Sufijo inno significa pequeñito. Todo lo que tiene que ver con ese personaje es el engaño. Lo qu edefine al personaje es su situación socio-laboral.

El tipo es rapidamente identificable por la sociedad a la que pertenece, en su indumentaria y en su lenguaje.

El género ideal de los tipos es la comedia. Tiene un carácter local

Carácter local y caduco (porque la sociedad se transforma y genera nuevos tipos, ya sean nuevas variantes del tipo o otras diferentes.

Los tipos son frecuentes también en las series de televisión. También en las de ciencia ficción. Con la ciencia ficcións e habla de este mundo pero desde otro munco. Ejemplo Star Trek.

ESTEREOTIPOS


Es un tipo anclado en el tiempo. Suerte de experiencia cliché, falsa. Muestra una imagen del mundo que ya no representa al mundo. Son personajes planos. Personajes que han caducado. La sociedad que los ve no se siente identificados con ellos.

En la película Tú la letra, yo la música se hace un uso del estereotipo crítico.

El pop art partía de una parodia para hacer una crítica al mundo del arte americano. Puede llegar un momento en que lo irónico deje de serlo porque se vuelve autocomplaciente.

Estereotipos hay a diestro y siniestro. Abundan en la publicidad.

El estereotipo es previsible, no oculta nada.

Clarín en La vida es sueño de Calderon es un tipo porque no cae en el estereotipo predecible de un criado del Siglo de Oro, es impredecible. Un criado que cambia al rey no es predecible.

El tipo que no se exige a sí mismo se convierte en un estereotipo. Si no cuidas tus tipos se convierten en estereotipos. No pueden ser previsibles y carentes de significado.